Tom Waits narrates a quirky documentary about contemporary art legend John Baldessari

"John Baldessari believes every young artist should know three things:
1. Talent is cheap
2. You have to be possessed which you can't will
3. Being in the right place in the right time"

¿Se quedará Cascos sin retrato?

Ante los graves problemas económicos que afectan a nuestro país, el gobierno ha decidido tramitar la rescisión de contrato con el pintor manchego Antonio López por el retrato de Álvarez Cascos. El artista, que ya mostró su descontento a principios de verano ante la polémica surgida por los 190.000 euros que iba a costar la obra, afirma que recibió la noticia el pasado julio y que el gobierno justificaba la cancelación de la misma diciendo que el encargo "estaba ya fuera de plazo". Sin embargo, el pintor no cree que realmente se trate de un tema económico.

El pintor y Cascos se conocieron cuando este último le encargó las cabezas escultóricas que podemos ver en la estación de Atocha. A pesar de la nueva noticia, Antonio, que nunca antes había recibido un encargo de tales características (un retrato de un político), comenta que llevará a cabo el encargo, pagado o no, pues se trata del retrato de un amigo.

Al mal tiempo, buenas inversiones

Todos los ministros, tras dejar su mando, son "invitados" a realizarse un retrato que después se exponga en la galería de su Ministerio, escogiendo ellos mismos al artista que lleve a cabo el encargo. 

Siguiendo pues la tradición, el pintor Antonio López García realizará un retrato de Francisco Álvarez Cascos, último ministro del Gobierno de José María Aznar, ahora al frente de Foro Asturias. Pero a Cascos no le bastaba con cualquier retratista, sino que escogió a uno de los pintores más cotizados del momento. La broma nos saldrá por nada más y nada menos que 165.000 euros más IVA, es decir, más de 190.000 euros. El Ministerio de Fomento firmó el contrato en abril de 2010, con José Blanco al frente del Departamento. 

Ante la polémica el Gobierno señala que esa cifra "es acorde con el precio habitual del autor por un encargo de dichas características" y recalca que, como el retrato no ha sido entregado el Ministerio de Fomento aún no ha abonado cantidad alguna por él.

El coste del mismo dobla al también controvertido cuadro de Bono para el Congreso, que supondrá un gasto de 82.600 euros, IVA incluido. Cifra que ya suscitó polémica porque pese a que el precio es similar al de cuadros anteriores, triplica el coste del dedicado a su antecesor en el cargo, el también socialista Manuel Marín, que optó por una fotografía de 24.780 euros.

Con suerte, teniendo en cuenta que Antonio López lleva 18 años con el retrato de la familia real, éste también va para largo, allá para el 2025 quizás este terminado. A lo mejor para entonces 190.000 euros no son para tanto... 

DAMIENHIRSTLAND en la Tate Modern

El 15 de septiembre de 2008 Damien Hirst dejó boquiabierto al mundo. Mientras las obras del artista británico recaudaban 140 millones de euros en una subasta masiva, prescindiendo por primera vez en la historia del sistema tradicional de las galerías, se hundían los mercados financieros con el colapso de Lehman Brothers, dando pie a una era de crisis mundial.


Pero la franquicia Hirst no sólo ha logrado sobrevivir a la hecatombe, sino que además parece estar en su mejor momento. Tras presentar su obra, a principios de año, en una amplia selección de galerías privadas tiene lugar su mayor retrospectiva hasta la fecha.


Va a hacer ya casi dos meses de la apertura de la polémica exposición en la Tate Modern de Londres, que abrió sus puertas el pasado 4 de abril. Si nos introducimos en la web del museo ésta se nos anuncia como un gran acontecimiento, una cita ineludible con una afluencia de público más que notable.


Damien Hirst es un tipo de extremos, sin duda, con una pasado un tanto truculento, al que la gente adora u odia, sin términos medios. Nace en Bristol en 1965 y crece en Leeds. Formará parte del grupo YBAs ("jóvenes artistas británicos"), convirtiéndose en el más prominente del mismo, así como en el artista vivo mejor pagado. Durante su infancia le faltó una figura paterna y a la materna no le hacía grandes aspavientos. Asiste a la Universidad de Leeds, donde estudia Arte y Diseño. Luego estudia Bellas Artes en Goldsmiths, Londres. Siendo estudiante, trabaja a tiempo parcial en una morgue (depósito de cadáveres), experiencia que le influirá a posteriori en la elección de los temas y materiales de su obra. Admite haber tenido problemas con el alcohol y las drogas a partir de los 90, más sus excesos terminan en 2002. Actualmente está casado con la californiana Maia Norman, con la que tiene 3 hijos. Vive en una gran casa de campo, una posada de 300 años de antigüedad, situada en el norte de Devon (al sudoeste de Inglaterra).  


La muerte es el tema central de su obra, siempre rodeada de gran polémica, más o menos premeditada, y por consiguiente de un gran seguimiento mediático. Sin embargo Hirst se ha convertido en un artista consagrado y esta polémica ya no se refiere tanto a la temática de su trabajo o su personalidad sino a la inimaginable suma de dinero que posee. Se le calcula una fortuna superior a los mil millones de dolares, siendo más rico que otros conocidos magnates británicos como Mick Jagger o Elton John. Hirst es un "artista-empresario", pues domina a la perfección el arte de ganar dinero, mucho dinero, pero no siempre fue así. Durante su juventud, mientras sus compañeros empezaban a ascender como la espuma a él apenas le hacían caso. Todo empezó a raíz de una exposición que realizó en julio de 1988, en en un edificio abandonado de Londres, junto a algunos de sus compañeros de la Goldsmith College. Uno de sus profesores convenció a Charles Saatchi, Norman Rosenthal y Nicholas Serota para que visitaran la muestra. Dos años después, Saatchi acudió a una nueva exposición de Hirst y quedó impresionado ante la obra "Mil años", una gran caja transparente con gusanos y moscas revoloteando en torno a la sangrante cabeza de una vaca. Saatchi quedó tan maravillado que compró la obra y fue entonces cuando apadrinó a Hirst, que se convirtió en la figura más notable de los llamados YBAs.

Así empezó todo, más no nos desviemos del tema fundamental, su exposición en la Tate Modern. Lo curioso del asunto es que hace ya varios años que el propio Hirst anunció que jamás expondría en ese "templo británico del arte contemporáneo". Pero parece ser que el tiempo le ha hecho cambiar de opinión.

"También dije que no me gusta la gente que no fuma y ahora yo mismo ya no fumo. Las cosas cambian. Era mucho más joven cuando dije eso, cuando pensaba que los museos son para artistas muertos. Te haces mayor. Ahora tengo tres hijos y creo que cuando era joven también dije que nunca tendría hijos", se justifica.

Pero esta muestra parece una hábil maniobra comercial que interesa a ambas partes. Circulan rumores de que sus galerías tienen verdaderos problemas para deshacerse de todas sus obras ante un mercado del arte que se va enfriando. El artista ganará publicidad en un momento tan complicado en el que se estaba produciendo un atascamiento de sus ventas y de su cotización en los mercados. Un buen motivo para olvidar las viejas promesas. Y por supuesto la pinacoteca se suma al año olímpico, pues muy probablemnete se lleve la medalla de oro de asistencia de entre la oferta cultural londinense que coincide con los juegos.


Hirst es un artista prolífico, produce en cadena. Aunque para ello ha dejado de ser el único responsable del proceso de creación, pues un ejército de prometedores artistas, o artesanos, fabrican sus obras. A pesar de su innumerable producción la muestra se reduce a 73 piezas que abarcan un periodo de 22 años.

"Para hacer arte al nivel que yo quiero, tengo que contratar a otras personas", se defendía Hirst. "Prada tampoco hace sus propias prendas, ni (el arquitecto estrella) Frank Gehry construye él mismo los edificios y nadie los descalifica".  

El olor a colillas se apodera del ambiente nada más entrar en la exposición. La obra que recibe al visitante en la primera sala es una fotografía tomada durante su juventud en la que aparece el propio artista posando en una morgue con una inquietante sonrisa junto a la cabeza seccionada de un hombre.

En el centro de la muestra encontramos su famoso tiburón nadando en un contenedor de formol. Con " La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo " cautivó la atención de galeristas e inversores en 1991. Larry Gagosian fue el marchante encargado de su venta. Steve Cohen adquirió la misma por 12 millones de dólares. En 2006 el ejemplar original tuvo que ser sustituido sustituido por uno nuevo, debido a la descomposición del pez original.

Entre lo más llamativo de este "parque de atracciones" están también las vacas seccionadas, la oveja blanca y, más adelante, la oveja negra. Ésta última preside una pequeña pero inquietante sala dominada por un enorme tapiz redondo de color negro brillante y de textura rugosa. "Sol negro" fue creado en 2004 con cadáveres de miles de moscas incrustadas en resina.

Seguimos caminando por la muestra cuando de pronto irrumpe en escena una empleada de la pinacoteca que atraviesa las salas armada con un cazamariposas. Sorprendidos por la "performance" —¿formará parte del show?—, iniciamos su persecución hasta las salas 5 y 6. Allí encontramos reproducida, por primera vez desde la exposición original de 1991, la instalación "In and out of Love". Tras una cortina doble de plástico transparente, emerge el paisaje de jardín botánico con el que el "enfant terrible" del arte británico comenzó a experimentar a gran escala con la dualidad vida y muerte. Decenas de mariposas revolotean libremente de flor en flor, y de cabeza en cabeza. Una humedad relativa entre el 50 y el 70% y la temperatura de 25 a 30 grados, que se requieren para el bienestar de estos lepidópteros, desorientan los sentidos. En las paredes blancas se transforman ya varias crisálidas, que en pocos días darán vida a nuevas moradoras de la sala. Luke Brown es el encargado del cuidado de las mismas. "La verdad es que hacemos todo tipo de cosas con ellas", explica. "Aquí solo nos han pedido recrear lo que se hizo en 1991", aclara. Las mariposas viven de media dos semanas, por lo que la empresa para la que trabaja irá trayendo distintas especies de granjas de Inglaterra para mantener esta extraña comunidad artístico-científica en 150-300 ejemplares.

Otra de las atracciones que llamarán la atención de los visitantes serán los contenedores con moscas que van dando vueltas enloquecidas en torno a la cabeza sangrante de una vaca.

Pero sin duda la exposición culmina en la Sala de las Turbinas. La Tate, cómo no, se ha guardado un as bajo la manga para atraer a la muchedumbre. Esta sala está reservada a la exhibición de la famosa calavera de diamantes "Por el amor de Dios" (2007). A diferencia del resto de la exposición, que es de pago (14 libras, casi 17 euros), la calavera puede verse de forma gratuita. La inmensidad de esta sala tiene la ventaja de que permite organizar adecuadamente las colas que se forman para poder acceder al pequeño cubículo oscuro que aloja la pieza. Se trata de un cráneo con dientes humanos sobre el que se ha modelado una escultura de platino en la que se han incrustado 8.601 diamantes. Por contra, aunque la exposición cerrará sus puertas el 9 de septiembre, esta pieza será sólo exhibida durante dos meses y medio, por cuestiones de seguridad y agenda. Propiedad de un consorcio en el que participa el propio Hirst, el cráneo está de gira perpetua desde su presentación en Reino Unido hace cuatro años.

“¿Por qué soy tan rico? No lo sé. ¿Quizá porque tengo suerte? No sé cómo contestar a esa pregunta. Porque la gente ha comprado mi trabajo por mucho dinero. Creo que usted se refiere no a por qué soy tan rico, sino a si debería ser tan rico”. 

La obra de Hirst divide al mundo del arte. Entre sus más feroces opositores está Julian Spalding, un crítico, escritor y comisario que acaba de escribir un libro en el que define la obra de Hirst como “con-art”, arte-timo, arte-camelo, y que lleva el provocativo subtítulo de “Por qué debería usted vender sus Damien Hirst ahora que puede”.


En definitiva, la muestra enfrenta al artista más mediático de su generación con el público. Sólo por ello y por el descarado "blockbuster" de la Tate Modern merece la pena. Queda patente la asombrosa la habilidad de Hirst para reciclarse, pero ¿será qué necesita esta vez de un museo de tal envergadura para deshacerse de su sobreproducción y reforzar su estatus?

Fuentes:
www.damienhirst.com
Tate Modern. Exhibition. Damien Hirst

Damien Hirst and the great art market heist. THE GUARDIAN
"El tiburón de 12 millones de dólares", Don Thompson

Damien Hirst o el arte de ganar (mucho) dinero. EL PAÍS

Damien Hirst, alas de mariposa en la Tate Modern. ABC
Damien Hirst pasa por el aro de la Tate Modern. EL PAÍS

La factoría de Dafen

¿Cuánto cuestan "Los girasoles" de Van Gogh, "La última cena" de Leonardo Da Vinci, "La ronda de noche" de Rembrandt o la serie de retratos de Mao realizada por Andy Warhol? En cualquier subasta de Sotheby´s o Christie's valdrían millones de dólares y batirían récords de cotización, pero hay un lugar en China donde se pueden comprar por menos de 50 euros.


Bienvenidos a Dafen, un pequeño barrio que se encuentra a las afueras de la ciudad china de Shenzhen, a 30km de Hong Kong. En él trabajan más de 10.000 pintores que producen (en el sentido más industrial de la palabra) copias de obras de arte que se venden en todo el mundo. Los copistas de Dafen son los mejores estudiantes de las escuelas de Bellas Artes de China. Producen unos 5 millones de cuadros al año, es decir, un 70 % de los cuadros al óleo que se vende en el planeta.

Una gigantesca mano de bronce que sostiene un pincel nos recibe. El suburbio, que fue una antigua aldea de pescadores, se ha convertido hoy en el mayor centro pictórico del mundo. Rodeado por una valla y con cinco kilómetro cuadrados de extensión, alberga calles empedradas al estilo europeo, unas 800 galerías de arte falsificado y elegantes cafeterías.

Podríamos hablar de una "fábrica" con cientos de talleres donde se falsifican diariamente, por tan solo 35 dólares, obras de Picasso, Miró, Van Gogh o Leonardo, entre muchos otros. Cada pintor realiza unas 30 copias diarias, con sistemas de "fabricación" en cadena. Cada artista se especializa en una parte del cuadro para acelerar el proceso de trabajo. Se trata más bien de una labor técnica, pues los motivos y el contorno de las figuras les vienen ya impresos en la tela, por lo que se dedican a aplicar minuciosamente los colores.

Entre las obras más reproducidas están las caras sonrientes de Yue Minjin o los pálidos retratos de Zhang Xiaogang, uno de los clásicos de las copias chinas, que se encuentran por doquier en cada tienda de arte por unos 300 yuanes (30 euros).

Huang Jiang

El artífice de tal empresa fue Huang Jiang, que recaló en Dafen con 26 pintores en 1989 en busca de un lugar tranquilo donde poder atender a los grandes pedidos de miles de cuadros que le hacían las grandes superficies americanas, como Wal-Mart.


Desde finales de los años 70 china se abrió a la inversión extranjera al convertirse en uno de los primeros lugares en aplicar las reformas capitalistas. Fue entonces cuando este pequeño pueblo de pescadores empezó a desarrollarse y a crecer a pasos agigantados. Impulsado por este "boom" industrializador, que convirtió a las provincias de la costa china en una gran factoría, Huang Jiang implantó en Dafen la producción en serie de obras de arte. Mientras en otros lugares se fabricaban televisores, frigoríficos, ordenadores y coches, aquí se manufacturaban cuadros siguiendo el patrón de las cadenas de montaje ideado por Henry Ford. Con una filosofía claramente estajanovista, el empresario dirigía una planta con un centenar de obreros-artistas que se pasaban el día entero pintando por un sueldo mensual de unos 2.000 yuanes (200 euros).

Huang Jiang, hijo de una profesora de arte, empezó pintando encargos de millonarios europeos. Al principio la tarea le llevaba al rededor de dos o tres días por cuadro, que vendía por unos dos euros. Sin embargo, con el tiempo ganó habilidad y le bastaba con tan sólo una hora. Huang realizó una media de 12 cuadros diarios durante más de veinte años, lo que le convierte probablemente en el artista más prolífico de la historia. 

"En esa cadena de producción, unos aplicaban los colores mientras otros dibujaban las formas. Nuestras vidas se reducían a pintar mucho, comer sólo un poco y dormir aún menos", comenta Chen Ming, quien trabajó en la fábrica de Huang Jiang y ahora posee su propio estudio. Estudió Bellas Artes y soñaba con alcanzar la fama de genios como Renoir o Toulouse-Lautrec, pero hoy sólo se puede dedicar a imitarlos.


"Por supuesto que me gustaría pintar mis propias obras, pero de algo hay que vivir y esto es lo único que sé hacer", se resigna en su pequeña galería de quince metros cuadrados. Por el local, que incluye un apartamento de dos habitaciones en el piso superior, paga un alquiler mensual de 4.000 yuanes (400 euros), casi la mitad de los 10.000 yuanes (1.000 euros) que ingresa de media. En la planta de arriba, vive junto a su mujer, también pintora, y dos primos que acaban de llegar y a los que ya está iniciando en el oficio. 

Chen Ming

"El negocio ahora no es muy bueno porque las ventas, sobre todo en Occidente, han bajado por la crisis", se queja Chen Ming, quien trabaja para clientes chinos y marchantes canadienses que, cada dos meses, vienen a Shenzhen y le compran cientos de cuadros. El arte se compra al peso y el precio no depende de la calidad de la obra, sino del tamaño del lienzo. Con marco, un óleo de Klimt de 92 por 122 centímetros cuesta 600 yuanes (60 euros), mientras que uno de 62 por 92 centímetros vale 350 yuanes (35 euros), aclara Chen equiparando el valor de continente y contenido.

Pero todo no podía ser un camino se rosas. Ante las quejas de numerosos creadores el gobierno chino se ha visto obligado a prohibir la venta de copias de artistas vivos y de pintores fallecidos hace menos de 70 años. Norma que, por unos cuantos dólares, puede pasarse por alto. Aunque estén vivitos, coleando y protestando por la copia indiscriminada, también se pueden adquirir las obras de los pintores chinos contemporáneos, ya que, según Chen Ming, "en los documentos de embarque se especificará que los cuadros son réplicas". Sin duda, este lugar haría las delicias de la SGAE...

EL GRITO, vendido por 120 millones de dólares

A propósito de la entrada "Petter Olsen, ¡vende!"

Tras varios meses de incertidumbre, la única versión de El Grito de Munch aún en manos privadas ha sido subastada el pasado 2 de Mayo en Sotheby's Nueva York, alcanzando la cifra récord de 119,9 millones de dólares (91,2 millones de euros). La puja, que comenzó en 40 millones de dólares, alcanzó los 107 en tan sólo diez minutos. El comprador ha sido un postor telefónico anónimo. El Grito se convierte así en la obra más cara de la historia vendida en subasta, superando a Desnudo, hojas verdes y busto de Pablo Picasso, vendido por 81 millones en 2010. 

En palabras del propio Simon Shaw, director de arte impresionista y moderno de Sotheby's Nueva York: "Instantly recognisable, this is one of the very few images which transcends art history and reaches a global icon. The Scream arguably embodies even greater power today than when it was conceived".

¿Es o no para llevarse las manos a la cabeza?  


º º 
O 

China ha despertado

En La invasión sin pararelo (The Unparalled Invasion, 1910), el escritor norteamericano Jack London sitúa la colonización occidental del imperio amarillo en 1976, año en el que falleció Mao y comenzó a fraguarse la apertura al mundo exterior. Desde entonces, tal como temía Napoleón, China ha despertado y el mundo la contempla fascinado y tembloroso.

Zhang Daqian(1899-1983)

China se encuentra en el punto de mira y no es extraño, pues es sorprendente la velocidad con la que parece haberse adaptado a una economía y una cultura en teoría ajenas a su tradición. Desde que el país entró en la Organización Mundial del Comercio (2001), su crecimiento y modernización se han acelerado. El "arte experimental", como allí denominan lo que nosotros entendemos por "contemporáneo", ha sido uno de sus grandes beneficiarios. En tres décadas el arte contemporáneo chino ha cubierto casi tantas etapas como el arte occidental en un siglo. Los creadores experimentales del gigante asiático luchan por superar el choque entre tradición y modernidad.   

Si nos sumergimos en las entrañas del mercado del arte asiático parece que la crisis no le afecta demasiado, pues en los últimos años no ha hecho más que crecer. El incremento en ventas en dos años ha sido del 63%. El arte chino facturó en 2011 un 7% más que el año anterior (unos 46.100 millones de euros, frente a los 43.000 millones de 2010, y los 28.300 millones de 2009). Los coleccionistas de mayor poder adquisitivo ya no son solo europeos, los de la región de Asia-Pacífico les igualan en número, y les superan en ingresos.

China se ha convertido por consiguiente en la gran protagonista. Durante el 2011 ha abarcado el 30% del comercio de obras de arte y antigüedades, ocupando este puesto por primera vez en la historia y dejando atrás a EEU. La economista Clare McAndrew, que realiza anualmente un estudio sobre el mercado del arte, muestra en "The International Art Market in 2011. Observations on the art trade over 25 years" como Estados Unidos, primera potencia durante años, se queda en el segundo puesto con el 29% del mercado, y Reino Unido en el tercero con un 22%. El informe analiza el crecimiento de la potencia asiática desde el año 2006, cuando ocupaba el 5% del mercado, hasta la situación de liderazgo actual. En ese mismo intervalo de tiempo, EEUU ha ido perdiendo posiciones desde el 46 al 29%. [ Principales conclusiones del informe de 2011. TEFAF ] 

Por otro lado, el pintor chino Zhang Daqian destronó a Picasso como el artista más cotizado en subasta. Zhang Daqian (1899-1983) fue un pintor tradicional chino, que despuntó también en los terrenos del impresionismo y el expresionismo. Es uno de los artistas más sobresalientes y admirados de su país. Según datos de Artprice sus ventas en subasta fueron las mayores de 2011. Era la primera vez en 14 años que ese puesto no lo ocupaba el malagueño Pablo Picasso (1881-1973), que lideraba la lista desde 1997. Puede que hace tres décadas la pintura tradicional china estuviese disponible por una cifra hasta mil veces menor que la actual, pero hoy los artistas de ese país se encuentran entre los más cotizados en las casas de subastas. También Qi Baishi (1864-1957), otro pintor chino, fue noticia recientemente por lograr el segundo puesto de la lista, dejando atrás a Picasso y Warhol. Seis artistas chinos figuran entre los diez primero de la misma. 

Zhang Daqian. "Snow Storm Switzerland"

Sotheby's Hong Kong

Zhang Daqian totaliza ventas acumuladas por una suma de 554,53 millones de dólares, con 1.371 lotes vendidos. Su compatriota Qi Baishi mantiene el segundo puesto con 510,57 millones de dólares de ventas. Andy Warhol es el tercero en la lista, con 325,88 millones de dólares. Y Picasso, que ocupó 13 veces el primer puesto en los últimos 14 años, es además el único artista entre los diez mejor situados, cuyas ventas disminuyeron en 2011. Tras totalizar 362,71 millones de dólares en 2010, la venta de sus obras alcanzó el año pasado 314,69 millones en 3.387 lotes. 

Wang Shu

Para más inri, el arquitecto ganador del premio Pritzker, considerado el Nobel de la Arquitectura, ha sido Wang Shu, chino también. Thomas J. Pritzker, presidente de la Fundación Hyatt, promotora del premio Pritzker a lo largo de 34 ediciones, afirmó: "El hecho de que se haya elegido a un arquitecto chino supone un importante paso en el reconocimiento del papel que va a jugar China en el desarrollo de los ideales arquitectónicos. Además, el éxito del urbanismo chino en las próximas décadas será importante, no ya para China, sino para el mundo entero".

En definitiva, parece que China esta de racha y los campos de acción, antes separados, se han convertido en competencia, pues después de Shotheby's y Christie's, China se está convirtiendo en la mayor casa de subastas del mundo. Menos mal que, por el momento, no amenazan con destrozar el mercado y subir las cotizaciones como hicieron sus vecinos los japoneses en la década de 1990...

OUT OF FOCUS - Saatchi vuelve a la carga

Hace ya diez años de la polémica exposición Soy una cámara, de Tierney Gearon, en la que se acusó a la Galería Saatchi de incitar a la pornografía infantil.

FOTOGRAFÍAS TIERNEY GEARON
http://www.saatchi-gallery.co.uk/artists/tierney_gearon.htm?section_name=artists_in_future_exhibitions_hidden

TIERNEY GEARON ANTE LA POLÉMICA
http://www.guardian.co.uk/society/2001/mar/13/childprotection

Después de una década sin exponer fotografía, la galería vuelve a protagonizar una muestra de la misma. Out of Focus, que tendrá lugar del 25 de Abril al 22 de Julio en Londres, reúne la obra de 38 artistas de Estados Unidos, Reino Unido, Japón, Sudáfrica, Australia, Suiza, Francia, Finlandia, Suecia, Dinamarca, Alemania, Turquía y Benín. 

OUT OF FOCUS

Katy Grannan
Anonymous, Boulevard Series
2009/ printed 2011
Archival pigment print on cotton rag paper,
mounted on Plexiglas
139.7 x 104.1 cm

http://www.saatchi-gallery.co.uk/artists/photography/

El panorama en el ámbito de la fotografía a evolucionado notablemente en estos últimos años. Los críticos y el público esperan ansiosos la llegada de esta exposición. En palabras del propio Saatchi, se trata de todo un reto para los participantes: «Comparten las mismas preocupaciones (la tensión entre el cuerpo y el género, la mente y la memoria, la percepción del lugar y el hogar, el rostro, lazos familiares, amistades, tribus y demás subculturas) y sin embargo muestran una amplia variedad de perspectivas, que van desde la fotografía documental clásica a la reelaboración de imágenes encontradas, desde la captura de colaboraciones artísticas a fotografías de composiciones tridimensionales elaboradas a partir de fotografías».

Al mismo tiempo tendrá lugar el Google Photography Prize, un concurso de ámbito mundial organizado conjuntamente por Google y la Galería Saatchi. Los diez finalistas expondrán en la galería durante dos meses, coincidiendo con Out of Focus, y ganarán un viaje a Londres para asistir a la inauguración. El ganador del primer premio tendrá además la oportunidad de viajar al destino que él elija acompañado de un fotógrafo profesional.

GOOGLE PHOTOGRAPHY PRIZE
http://www.google.com/landing/photographyprize/

Alexa Meade, otra dimensión de la pintura

Alexa Meade es una artista de 25 años en cuya obra convergen la pintura, la fotografía, la performance y la instalación. En vez de realizar cuadros "convencionales" en dos dimensiones, Alexa utiliza como soporte las propias personas u objetos representados. Después de pintar con pintura acrílica sobre los mismos hace fotografías de las escenas que compone, generando el mismo efecto como si de la fotografía de un cuadro se tratase. 

http://alexameade.com/index.html

Petter Olsen, ¡vende!

El millonario y mecenas noruego Petter Olsen ha tenido que sacrificar su obra más preciada para poder financiar la construcción de una galería de arte justo al lado de la casa donde vivió Edward Munch (1863-1944). Olsen es el propietario de la única versión de El Grito que se encuentra aún en manos privadas.

El año que viene se celebra el 150 aniversario del nacimiento del pintor, y qué mejor ocasión para sacar al mercado una de sus más codiciadas obras. La obra, que data de 1895, saldrá a subasta el próximo 2 de Mayo y encabezará las ventas de arte moderno e impresionista de Sotheby's, ¡cómo no!


Esta versión de la obra es la única cuyo marco original fue pintado por el propio Munch con un poema en el que describe las circunstancias que le llevaron a hacerlo:

“Estaba yo caminando por la carretera con dos amigos / a la puesta del sol – El cielo se tornó rojo sangre / Y sentí un aroma de melancolía – Me quedé parado / muerto de cansancio – por encima del negro-azulado / de las leguas de sangre y fuego del Fiordo y la Ciudad – Me quedé atrás / temblando de Ansiedad – y sentí el gran grito de la Naturaleza”.

Aún se desconoce el precio de salida, más muchos expertos apuntan que podría rondar los 80 millones de euros, convirtiéndose en una de las ventas más importante de los últimos años. Según Simon Shaw, responsable del Departamento de Arte Impresionista y Moderno de Sotheby's en Nueva York, "El Grito de Munch es una imagen que define la modernidad y es un inmenso privilegio tener la oportunidad de sacar a subasta una de las obras más importantes en manos privadas".

El padre de Petter fue vecino e íntimo de amigo del pintor, además de coleccionista de sus obras desde finales de los años veinte. Thomas Fredrik Olsen tuvo un papel decisivo en la salvación de 74 de sus obras, condenadas al fuego después de que Hitler incluyera al Munch dentro del arte degenerado. Para más inri, en el año 2001 Petter participó en un proceso legal en contra de su hermano acerca de la colección reunida por su padre. De acuerdo con la voluntad de su madre ésta había quedado en manos del menor, Petter. Sin embargo, Fred perdió el caso.

A partir del día 13 de Abril se puede ver la obra en la sede de Sotheby's de Londres. Próximamente viajará a Nueva York, donde podrá verse desde el 27 de Abril, para ser finalmente subastada el 2 de Mayo. La versión más famosa de la obra se encuentra en la Galería Nacional de Noruega. Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo.

Petter afirma que ha llegado el momento de que la obra abandone a los Olsen: “He vivido con esta obra toda mi vida y su poder y su energía han ido aumentando con el tiempo”. “Ahora, sin embargo, creo que ha llegado el momento de ofrecer al resto del mundo una oportunidad para ser su dueño y apreciar esta extraordinaria obra”. Pero, ¿a qué precio?

La cuadratura del círculo - La burbuja del arte contemporáneo

"At particular times, a great deal of stupid people have a great deal of stupid money"  WALTER BAGEOT, Economist 1859

Así comienza "The great contenmporary art bubble", escrito Y dirigido por Ben Lewis, un joven británico que satiriza el mundo del arte contemporáneo a través de documentales y programas televisivos. Ha sido expulsado de Sotheby’s y Christie’s, dos de las más prestigiosas casas de subasta del mundo, por cuestionar un negocio millonario.  

El documental cuenta cómo gran parte del arte contemporáneo se ha convertido en moneda de cambio en manos de unos pocos multimillonarios y marchantes de arte. Lewis nos muestra como muchas obras de arte quedan ahora destinadas a obtener cotizaciones bursátiles seguras en el mercado. Aparece así un grupo de marchantes que compran arte como inversión, que en muchos casos queda guardado en almacenes y en otros pasa a formar parte de colecciones privadas. “Fenómenos contemporáneos como Hirst y Koons no difieren tampoco de los exponentes del Rococó Francés, un movimiento que transmitía frivolidad y lujo y era patrocinado por un decadente y corrupto antiguo régimen”, dice el británico, cuya crítica está orientada a todos los que participan en este círculo, desde el artista, pasando por el público, hasta los especialistas.

Como dato curioso, Lewis fue tatuado en el año 2005 por Wim Delvoye. Éste le realizó en la parte posterior de su hombro derecho un Mickey Mouse en un crucifijo con Minnie llorando a los pies. Delvoye es uno de los artistas belgas más cotizados del momento que mortifica, diría yo, el mundo del arte con una obra provocadora al mismo tiempo que repulsiva. Entre sus trabajos más conocidos está "Art farm", integrada por una serie de cerdos tatuados, que actualmente llegan a los 125 mil euros cada uno. Pretende convertir al cerdo en obra de arte: los cría, los seda y los tatúa, para venderlos después a precio de obra artística. “El cerdo es un animal muy cercano al hombre. El tatuaje es una decoración que no los afecta. No les duele. No es cruel. Es una forma de agregarles valor”, comenta el artista. Ante las críticas de organizaciones de defensa animal Delvoye replica que es mucho más cruel la actividad que se realiza en los mataderos de todo el mundo, desde donde se abastece diariamente la mesa de la tercera parte de la población mundial. El caso es que en algún lugar de una pequeña granja de las afueras de Beijing hay un cerdo corriendo con exactamente el mismo tatuaje que el de Ben, también hecho por Wim Delvoye. Ambos fueron tatuados al mismo tiempo y en la misma habitación. Otra ecléctica y provocadora obra que parece salvar a los cerdos del anonimato y la industrialización, pero ¿a costa de qué?, ¿un nuevo tipo ensañamiento?, ¿sadismo artístico?

BP Portrait Award 2012

El premio BP Portrait es un concurso organizado por la National Portrait Gallery de Londres que celebra, con este año, su 33ª edición. En él se muestran retratos contemporáneos de todas las partes del mundo. Se trata de una cita culminante en el calendario artístico. Cada año se presentan nuevos y excepcionales trabajos en una gran variedad de estilos y enfoques. Desde estudios más informales de familiares y amigos, hasta reveladoras obras de personajes famosos.

El prestigioso certamen, que cuenta con el patrocinio de BP desde 1989, está dotado con un primer premio de 25.000 libras y un encargo valorado en 4.000. Este último consiste en una retrato que pasará a formar parte de la colección permanente de la galería. Se concede también un segundo premio de 8.000 libras, un tercero de 6.000 y un premio joven de 5.000 (Premio BP Young Artist). Optan a éste los artistas con edades comprendidas entre los 18 y 30 años, pero una misma persona no puede ganar ambos. Por último, todos los artistas seleccionados para la exposición tienen además la oportunidad de presentar una propuesta para el BP Travel Award, valorado también en 5.000 libras. Este galardón tiene como objetivo el proporcionar la oportunidad al ganador de viajar y trabajar en un entorno diferente, en Gran Bretaña o en el extranjero, en un proyecto relacionado con el retrato y que será después expuesto en la exposición del BP Portrait Award 2013 y la gira durante el 2013-14.

El concurso es juzgado a partir de las obras originales, en igualdad de condiciones y de forma anónima. El jurado de este año ha estado formado por:

-Sandy Nairne, Director, National Portrait Gallery (Chair)
-Dr Augustus Casely-Hayford, Curator and Cultural Historian
-Sarah Howgate, Contemporary Curator, National Portrait Gallery
-Martin Jennings, Sculptor
-Nicola Kalinsky, Interim Director, Scottish National Portrait Gallery
-Des Violaris, Director UK Arts & Culture, BP

Aleah Chapin: Aunti (Óleo sobre lienzo 1470 × 965 mm)

Ignacio Estudillo: El abuelo (Agustín Estudillo) (Óleo sobre lienzo 2000 x 2000 mm)

Jamie Routley: Tony Lewis (Óleo sobre lienzo 1250 × 460 mm)

Alan Coulson: Richie Culver (Óleo sobre tabla, 850 × 590mm)

El número total de participantes de esta edición ha sido 2.187 de un total de 74 países, de entre los cuales se han seleccionado 55 obras para su posterior exposición. Los cuatro artistas finalistas que compiten por el primer premio son Aleah Chapin por Aunti, Alan Coulson por Richie Culver, Ignacio Estudillo por El abuelo y Jamie Routley por Tony Lewis. Los artistas ganadores serán anunciados el 19 de Junio de 2012. La exposición tendrá lugar del 21 de Junio al 23 de Septiembre en la misma galería, cuya entrada es gratuita. En la muestra también se podrá disfrutar de los trabajos de la ganadora del BP Travel Award 2011, Jo Fraser. La exposición se presenta como parte del Festival de Londres 2012 y posteriormente partirá a Edimburgo (3 noviembre-23 enero) y Exeter (9 febrero-19 mayo de 2013).

Jo Fraser: Flora (Óleo sobre lienzo 1220 mm × 1830 mm)
Seleccionada para el BP Portrait Award Exhibition 2011 y ganadora del BP Travel Award 2011

Helmsboro Country. Una crítica mordaz a Philip Morris y Jesse Helms

El artista Hans Haacke (Colonia, 1936) ha sido considerado uno de los principales exponentes de la crítica institucional, un giro del arte conceptual interesado en el análisis de la producción artística como contenedor de los intereses ocultos tras las instituciones culturales.

Con una de las esculturas de su muestra “Castillos en el aire”, en el MNCARS, hace una crítica mordaz hacia del senador Jesse Helms y la compañía tabaquera Philip Morris. La pieza es una caja de cigarrillos gigante. La caja con tapa superior se muestra abierta y con algunos cigarros desperdigados en el exterior. En un primer vistazo “Helsmboro country” rezuma la estética del arte pop. La caligrafía tanto de la cajetilla como de los cigarrillos es familiar a la de Marlboro, sin embargo los mensajes de la misma no lo son. El retrato del senador Helms sustituye al habitual logotipo de la compañía (“PM”). Cada cigarrilo está rodeado de la frase ''Philip Morris Funds Jesse Helms'' (“Philip Morris financia a Jesse Helms”) y contiene una reproducción de la Declaración de derechos fundamentales de la Constitución de los Estados Unidos. En el lateral derecho aparece una declaración del propio Helms tomada de las actas del congreso del 28 de Septiembre de 1989. En el izquierdo, la advertencia de George Weissman, presidente del comité ejecutivo de Philip Morris.

Helmsboro Country
1990
Serigrafías y fotografías sobre madera, cartón y papel
Colección del artista
Expuesto por primera vez en la Galería John Weber, Nueva York, 1990

Philip Morris Companies es la mayor empresa tabaquera del mundo, integrada desde enero del 2003 en el Grupo Altria, una de las más grandes compañias trasnacionales estadounidenses que comercializa principalmente comida, bebida y tabaco. En 1989 Philip Morris pagó a los archivos nacionales 600.000 dólares para poder utilizar la “Declaración de derechos fundamentales” de la Constitución de los Estados Unidos en una campaña de relaciones públicas que costó 60 millones de dólares. Así fue como Philip Morris financió en numerosas ocasiones las campañas electorales del senador republicano en Carolina del Norte Jesse Helms. Por otro lado, invirtió en el Jesse Helms centre, en Wingate, Carolina del Norte. Este centro alberga documentos del propio Helms, cartas, discursos, materiales de campaña, encuentas, etc. Según las palabras de William Link, presidente del departamento de historia en la Universidad de Florida, “A veces uno tiene colecciones que han sido desinfectadas. Ese no es el caso de esta colección. Es muy completa y rica”. Según fuentes de la compañía esta colaboración les sería de gran ayuda.

El senador Helms dirigió numerosas campañas contra la National Endowment for the Arts (la agencia del gobierno norteamericano que concede becas y ayudas a los artistas y a las instituciones de arte) hasta que en 1990 consiguió que se impusieran algunas restricciones en este ámbito. El senador también fue conocido por su rechazo a los enfermos de SIDA, los homosexuales (a quienes llamaba "slants", desviados), el derecho de las mujeres a abortar, los sindicatos y las minorías. También apoyó a Roberto Aubuisson, al general Augusto Pinochet y a los políticos sudafricanos partidarios del apartheid. Se convirtió en uno de los líderes de "The Council for National Policy", una organización subsidiaria del pro- nazi "German American National Congress". En los medios de comunicación de Carolina del Norte apoyó abiertamente la política de segregación y defendió frecuentemente a los miembros de Ku Klux Klan.

En 1990 la compañía Philip Morris amenazó a la Galería John Webber con emprender acciones legales si exhibían la pieza “Helmsboro Country”. Pero la galería no canceló la exposición. Cuando se supo que la compañía había patrocinado al senador, el grupo activista gay ACT UP exigió un boicot internacional de los productos de la compañía. Ese año, la ventas de cerveza Miller, una de las marcas del grupo, descendieron.

En 1994 Philip Morris pidió a las instituciones de arte neoyorquinas a las que había patrocinado que le brindaran su apoyo en la lucha contra la ley que restringía el consumo de tabaco en lugares públicos de Nueva York. Pero la ley salió adelante y en 2003 la compañía trasladó su sede central norteamericana de NY a Richmond, Virginia.

En sus últimos años de vida Helms estuvo sumido en las tinieblas de la demencia. En 1990, su salud empezó a declinar. Fue en 1992 en el 31 aniversario del asesinato del presidente John F. Kennedy cuando amenazó veladamente de muerte a Bill Clinton, que provocó numerosos comentarios sobre su locura. En 1996, a veces ya era incomprensible su forma de hablar. Precisamente en aquel año se aprobó la Ley Helms-Burton contra Cuba. Esta ley fue denunciada por la mayoría de los especialistas como una aberración jurídica. ¿Quién puede garantizar que el senador estaba en su sano juicio para formular tal aberrante ley?. Sin embargo, nadie controla la salud de los congresistas.

En una entrevista telefónica Haacke dijo: ''Tengo un interés particular en empresas que se dan un aura cultural y son en otras áreas sospechosas. Philip Morris se presenta en Nueva York como el amante de la cultura, mientras que si se mira detrás de las escenas, también es una fuente de financiación principal de Jesse Helms, alguien muy hostil a las artes y quizás el senador más homófobo que tenemos en este momento”. 

Encuesta a los visitantes del MNCARS por Hans Haacke

El pasado sábado me acerqué a ver la exposición "Castillos en el aire" de Hans Haacke. Una muestra variada en cuanto a técnicas, formatos e INTENCIONES diría yo. Paseando por la misma puedes encontrar una sala con cuatro ordenadores en la que se invita al visitante a realizar un breve cuestionario, que espero podáis leer con claridad y atención...



Sinceramente, dudo mucho que al propio artista, residente en Estados Unidos, le inquieten algunas de estas cuestiones y más aun que él mismo haya sido el artífice de dicha encuesta. Pero si no es a él, ¿a quién o quiénes podrían interesarle tanto?

Arrugas

Galardonada con el Goya a Mejor Guión Adaptado y Mejor Película de Animación “Arrugas” se convierte en una de las favoritas de este año. Basada en el cómic de Paco Roca (Premio Nacional de cómic 2008) la cinta resulta peliaguda al mismo tiempo que entrañable. Se trata de un largometraje de animación en dos dimensiones dirigido a un público adulto. La película transcurre en un centro geriátrico y cuenta las aventuras de Emilio, recién llegado a la residencia con principio de alzheimer. Éste encontrará un gran apoyo en Miguel, su compañero de habitación. Juntos lucharán por seguir activos y mantener su autoestima.

El largometraje aborda un tema delicado y complicado, como lo es el alzheimer, la demencia senil y el internamiento de las personas mayores en centros geriátricos. Sin embargo, lo hace de un modo sencillo, sensible y al mismo tiempo divertido. La historia contada por Paco Roca proviene de la recopilación de anécdotas reales de amigos y conocidos, material que ha dado vida a esta coherente ficción. 

“Es divertida, es triste, es dulce, es desgarradora. Es brillante.” Peter Bradshaw